The Smell of Burning Ants

The Smell of Burning Ants
Jay Rosenblatt

 

Esta pieza de Rosenblatt aborda el duro crecimiento que pasan los niños. Por medio del uso de material de apropiación y la voz en off. Nos relata desde el nacimiento hasta los 14 años de un niño que sufre por cada evento que le sucede. Todo gira alrededor del miedo que siente hacía lo que el hombre en general ha llamado “el crecimiento” o “maduración” del hombre y cómo esté debe de ser. No existe espacio para la individualidad o la libertad de decisión.

 

Muchos rituales dolorosos, crean un ser que niega su lado femenino y lo que su propia conciencia le dice. El rol del padre como figura de temor, al cual no se le debe de obedecer. Todo se trata del dolor y del temor. Creo que la pieza es un oscuro pasaje del hombre. La frase de que debemos de sonreír, pero realmente no somos felices, va en contra de todo lo que habíamos escuchado antes de que la niñez es la época mas increíble de nuestra vida. Te pone a pensar el lugar y los rituales que no tienen sentido en orden de encajar en prototipos sociales. También en las consecuencias de que los hombres crezcan así. Esta obra parece un autorretrato de Rosenblatt, en el cual crítica la figura masculina y su nacimiento.

A comparación de su obra “Human Remain” , aquí la obra es totalmente personal, no juega con el conocimiento previo del espectador sino anuncia lo que piensa. Las imágenes que vemos nos hablan de los años 50’s  en donde todo convencionalismo era lo bien visto, pero las caras de los niños reflejan todo este malestar con lo que los rodea. 

Hablar de algo personal por medio de un material que no es tuyo, le da una conotación al contenido distinta. Creo que la universalidad del contenido surge de una manera natural por medio de este uso. 

 

Sink or Swim

Sink or Swim , 1990

Su Friedrich

Obra que consta de material de apropiación reinterpretado a nivel dramático. Con pausas en donde se exponen títulos, dándole un marco a lo que continuará. Vemos imágenes que son seguidas de una voz en off de una niña que cuenta historias en tiempo pasado. Poco a poco se va develando a verdadera intención de a autora, que es contar la historia que tiene con su padre, lo malo, lo bueno lo que ella nunca dijo y las cicatrices que la marcaron. 

Me pareció un pieza sumamente emocional, no se si me llego a nivel personal, pero me sentí afectada al poco tiempo que comenzó. Consiste en varias estrategias que hacen exaltar los puntos y volver la pieza dramática, sin tener que ver acciones contingentes. Por ejemplo, el momento en el que vemos una maquina de escribir en negativo, y se devela una carta que le escribe a su padre, poco a poco leemos lo que le escribe, lo afectada que esta y el comportamiento y sufrimiento de su madre. Sin embargo vemos después que es una carta que jamás le enviará. Creo que la pieza va y vienen entre querer esconder y enseñar, algo intimo. Un paisaje de una persona que se muestra tratando de manejar ciertos eventos que le dolieron. Cierta lejanía y al final , se percibe una persona que no logra hacer nada al respecto, Excepto al final en donde deja todo atrás y decide no seguir cargando con la figura de su padre.

Me gusto mucho el ejercicio, tiene un poco de literalidad y de metáfora , sorprende y cautiva al espectador. Y las imágenes funcionan perfecto en sentido literal de lo que se cuenta y en sentido metafórico cuando también se necesita.

Los Espigadores y la Espigadora

Agnès Varda
Les Glaneurs et la Glaneuse, 2000

La directora nos lleva por un viaje a través de varias partes de Francia en busca de espigadores. Gente que recoge los deshechos de las fabricas, restaurantes, familias, etc. Sus motivos son varios y no siempre es la necesidad. Al mismo tiempo Varda nos habla sobre ella, la vejez, sus viajes, sus propias refecciones sobre lo que ve a su alrededor. No solo se separa el documental entre lo personal y abierto al publico, sino también Varda interviene opinionadamente cuando le apeste, esto le da un hilo conductor a la obra. En donde se convierte no solo en un retrato sino en un diagnostico de la vida posmoderna. Del pasar del tiempo y del cine mismo. 

El Documental goza de una libertad equilibrada, pareciera que no le falta ni le sobra nada. Esta perfectamente conciente de su dirección y de lo que quiere encontrar. Otro punto favorable es que nos presenta un panorama completo de la problemática numero uno. Siempre que hay un espigador existe la contraparte, la persona que tira la materia. Desde un chef renombrado , un productor de papa o de manzanas, casas que dejan sus colchones fuera. Agnes intenta exponer la contraparte así poder hacer una evaluación completa. Hasta cita varias veces a las leyes que existen para los espigadores. 

Agnes Varda siempre me ilumina con cada obra que veo de ella. Esta no ha sido la excepción , esta llena de honestidad y de humildad. Las ideas se exponen en varios niveles, desde el juego de palabras que lleva con los entrevistados, hasta la voz en off, las imágenes en tiempo especifico, el ir y venir del tiempo y el espacio. Cuando estamos en la carretera y quiere contarnos algo y nos saca de ese universo y nos introduce en otro. Todo parece estar en armonía.

La Canción del Pulque

La Canción del Pulque, 2003

Everardo González

 

PULQUE BENDITO, DULCE TORMENTO, ¿QUE HACES AFUERA? , VAMOS PA DENTRO

El Documental de Everardo, nos muestra la vida dentro de una pulquería, un retrato a medias de como se produce y un par de personas que viven alrededor de la producción y consumo del pulque, así como paisajes ya clavados en nuestra mente de la sierra y el campo. El ritmo se compone por entrevistas y recorridos por estos mundos. En donde alcanzamos a percibir la mentalidad de esta gente, lo que piensa sobre el amor, el trabajo, etc.

El retrato se queda a medias, la estética me parece buena, pero no siento que sea del todo funcional de acuerdo a lo que se quiere decir. Es decir, logramos ver como está compuesta la pulquería, las personas borrachas, el señor que vive del pulque y su esposa que huye de la cámara. Y también vemos los comportamientos y alguna que otra luz de realidad dentro de éste grupo social. Pero se siente un poco perdido, es decir, habla de tanto que a la vez habla de poco. Es un retrato a medias porque no se logra enfocar en un tema. No tiene un principio y un fin. Se siente la cámara un poco a la expectativa de lo que suceda y no se siente una intención del director.

Me pareció entretenido y a veces bello, pero no creo que haya logrado desenterrar nada nuevo. No se siente una intencionalidad ni un esquema a seguir, no hay una búsqueda en la imagen y en la interacción con ella y lo que existe fuera. No propone, solo expone.

Salesman

Salesman, 1968
Albert Maysles, David Maysles

La obra de los hermanos Maysles se puede calificar por el estilo americano que se diferencia del europeo, del cinema verite. La busqueda aqui, tambien es por la verdad, por el retrato de lo real. La estructura aqui se basa en el seguimiento de un personaje. Asi logramos conocerlo a él, su contexto, su trabajo, el universo que lo rodea y sus reacciones. El documento se vuelve vivo y al mismo tiempo tal como Deleuze lo diria se ocnvierte en objeto-afecto para el público. El contenido sugiere ciertos toques de crítica hacia un sistema capitalista, que permea el ambiente de la centralizacion de la vida en el trabajo y en sus ganancias. Mientras seguimos al personaje principal, quien vende biblias de casa en casa, nos damos cuenta que vive de hotel en hotel, convive con otros vendedores como él, y se retroalimenta por juntas que hace la compañia que los maneja en donde el convivio parece leturgía en donde convencen a la gente del honrado valor que tiene su trabajo y a la vez los permean de miedo si sus ventas no son buenas.

A parte de conocer este universo, a la vez conocemos los hogares en donde estos vendedores entran, las reacciones de la gente, sus creencias, la decadencia que se vive. Me aprecio una obra llena de sutilezas que conforman un tiempo y espacio poco reconocido durante esta época. Es retrato lleno de verdades.

Chronicle of a Summer

Jean Rouch y Edgar Morin

Chronicle of a Summer

1960

Esta pieza pretende ser un ejercicio de exposición del ser humano. Con el fin de conocer mejor a la población de un determinado contexto, Rouch se une con Edgar Morin, para retratar a la población de Paris. el documental se plantea una cierta naturalidad difícil de generar cuando se impone ante la persona la presencia de la cámara. A partir de ahí se hacen varias entrevistas a distintos sectores del  país y se intenta llegar a pintar un retrato verdadero. Al final de exponer las entrevistas. Los mismos actores ven la película y comentan lo que vieron. Al finalizar existen conclusiones acerca del experimento por parte de los dos directores. Si bien , este no es un experimento simple. Es decir con la premisa inicial no se podría llegar a lograr Crónicas de un verano. Lo que logra Rouch con sus años de experiencia en África, es ir manejando y guiando a las personas y al documental para llegar y tocar puntos que son de su interés o que cree el que nos relevantes para el retrato humano. 

Cabe destacar puntos importantes, la historia previa de los dos realizadores. Rouch había hecho una serie de Documentales que retrataban varias civilizaciones en África y es considerado un antropólogo y cineasta. Morin un sociólogo y filosofo, participe del Frente Frances de resistencia y del partido comunista. 

La obra parte de la pregunta sobre la felicidad y sobre puntos escenciales en la clase obrera francesa. El documental esta plagado de elementos del cinema verite. Se concentra en al universalidad del individuo, a pesar de retratar aspectos individuales e íntimos de cada uno de los personajes. Logrando así un retrato verdadero y significativo sobre la humanidad. Hay puntos en el que el material expone una verdad humana y otra en donde se pierde con un discurso político o paredes impuestas por la psique de los personajes.

Autoretrato Tratamiento 2

La propuesta inicial fue:


Retratar una realidad literal mezclada con metáforas. Contrastar el movimiento diario de la ciudad y el contexto en el que vivo con fotografías fijas. Una voz en off que vaya relatando pensamientos desordenados que vaya teniendo a través del día. Al final el todo como obra debe de contener estos aspectos revelando una verdad de mi persona y mi contexto el día de hoy.

A esta propuesta me gustaria definirla mas: contando con dos tiempos y tratamientos distintos. Una parte seria la realidad retratada del mundo externo. Todo lo que veo y pasa frente a mi.  Retrato de la ciudad en donde vivo de la forma que yo la percibo de forma externa. La segunda seria una realidad interna intentando retratar a base de metaforas el interior de mi psique.

La fotografía externa (I) pretende ser de planos medios a abiertos. Existirá un movimiento continuo a color. El audio seria ambiental y tomado de las locaciones reales en donde se tomaran las imagenes. La segunda fase la fotografía serían close ups en en blanco y negro.  El audio sería una voz en off de recuerdos, pensamientos, reflexiones.

Los dos tratamientos pretenden estar entrelazados en la edición.