The Mad Masters - Jean Rouch

The Mad Masters
Jean Rouch
France, 1955

Al hablar de Jean Rouch, se debe uno de obligar a juntar su obra audiovisual con su vida laboral e intereses. Ya que uno va ligado del otro. Rouch trabajaba en África como ingeniero civil en una construcción en Niger. Al morir empleados africanos bajo su supervisión, presencio practicas de carácter religioso en la comunidad. En ese momento se dedico a retratar de manera documental la cultura Africana. Al querer abordar un tema de tal densidad, se necesita observación y conocimiento profundo de sucesos en contexto que se vivía en África. Las colonias , el lugar de los africanos, sus costumbres, clases sociales, etc. Todo esto lo tenia Rouch. No basta con conocer y retratar eventos cotidianos como Flaherty en Nanook, Jean Rouch da un paso adelante al juntar problemas sociales y políticos, con la vida de sus residentes originales. Así se construye la obra de "The Mad Masters" . 

 

La obra dos momentos distintos de las mismas personas. Uno ocurre en su día a día. Trabajadores comunes que se encargan de la mano de obra pesada. Vendedores de botellas vacías, escavadores, cargadores, y hasta un pequeño estafador. Aquí parecen muy normales, sonriendo a la cámara y trabajando. La segunda entrada es la de un "ritual" en trance que elaboran en su comunidad. El ritual pretende ser un ejercicio de representación de los colonos franceses.  Rouch advierte al comienzo del documental que esta representación es como los africanos perciben el régimen Frances. Las imágenes están cargadas de violencia visual, en modo que el trance permite a las personas comportarse y moverse como ventrículos poseídos. La cámara es parte del ritual y parece no ser percibida por los miembros. La dualidad entre los dos tiempos que se presentan marcan pautas exageradas de la diferenciación de comportamiento. A su vez esta cargado de una exigencia y una distancia entre la cultura francesa y la africana. No solo en la diferenciación marcada a la fuerza por la colonia, sino por la cultura y el lugar desde donde se observa. 

 

 

Rouch, logra no solo documentar o retratar la vida en África, sino dar al espectador una cantidad de mensajes que no se leen a primera instancia. Pasa del documental informativo a crear una poesía agresiva y reflexiva, cargada de metáforas raciales.

 

 

Links :

Ciné-ethnography de Jean Rouch - en Google Books

http://books.google.com.mx/books?id=4z8UZ36WqsAC&pg=PA217&lpg=PA217&dq=the+mad+masters+jean+rouch&source=bl&ots=XdQNVATFgp&sig=1nE0d2J1cMvSuDs6Qcueu9vZbxA&hl=en&ei=6vfMTM_KJYj6swPVsL34Dg&sa=X&oi=book_result&ct=result&resnum=9&ved=0CD0Q6AEwCDgK#v=onepage&q&f=false

Nanook of the North - Robert J. Flaherty

Nanook of the North
Robert J. Flaherty
USA, 1922

“Si se trata de filmar a gente distinta a uno, es imposible que actores o actrizes pueda reflejar con todo su histrionismo profesional la vida al natural de los moradores, que pueden interpretar sus propias vidas sin interés comercial” - Flaherty

 

Nanook of the North es el primer documental de Flaherty. Retrata la vida de un Esquimal y su familia. Nos enseña la vida nómada de esta cultura, por medio de actividades rutinarias, tales como la pesca, la caza, la construcción de un Igloo, la convivencia entre ellos. En su momento este documental cautivo al publico, pues fue el primer largometraje documental, la gente se sintió identificada o fascinada por Nanook y la película de Flaherty tuvo gran éxito comercial.

Tuvo criticas por parte de algunos sectores en donde se argumentaba que esto no podía ser un documento que retrataba al realidad, ya que muchas tomas eran recreadas para la cámara y las tomas dentro del igloo fueron falsas, debido al poco espacio que existía en realidad dentro del Igloo.

La discusión interminable sobre lo real e irreal en el cine se da en esta obra de Flaherty. Pero si algo he aprendido recientemente es que es una lucha perdida. Pues no se puede abordar una obra audiovisual con la simple premisa de si es real o no. El cine no se puede encasillar en recuadros por mas que el espectador tenga la necesidad. El cine de principio es recreación. Lo que vemos es lo que ya paso. Así que como tal si queremos entrar a la discusión si es real o no. Debemos hacer la pregunta mucho mas compleja y especifica hacia la obra que esta en observación. En Nanook, Flaherty quería retratar de fondo, la cultura y el sentido mas profundo de diferencia entre los Inuit y el occidental citadino. Creo que esa premisa se logra de manera brillante, y mas aun si implemento formas únicas de lograr ese realismo e identificación natural con algo que nos es ajeno de principio. Igual de importante resulta que esta obra fue hecha en los años 20. Cuando aun el documental no se tomaba como tal. Flaherty implanto una semilla que hoy vemos desarrollarse continuamente. El documental antropológico se inaugura aquí en todas sus letras, manteniendo una línea dramática ligera y un reconocimiento de la vida esquimal en tiempos cinematográficos.

Es importante destacar el contexto especifico de la realización de la obra. Nos encontramos en plena era moderna y la vida de Nanook, es un contraste para el espectador de la época. Recordándole, me imagino, a un pasado sencillo y rudimentario. Creo que Nanook causo una clase de ternura y añoranza. También una línea divisora entre las clases sociales y los estilos de vida. Ya que hasta el invento del cine, la gente no podía apreciar en "vivo" la vida en otros lugares del mundo, una clase de brecha se abre con el documental de Nanook y a la vez un sentimiento de lejanía personal y individual en términos raciales.

"No me propongo hacer películas sobre lo que el hombre blanco ha hecho de los pueblos primitivos... Lo que deseo mostrar es el antiguo carácter majestuoso de estas personas mientras ello sea posible, antes de que el hombre blanco destruya no sólo su carácter sino también el pueblo mismo. El vivo deseo que tenía de hacer Nanook (documental sobre un cazador y su familia del pueblo esquimal (Itivimuit) se debía a mi estima por esa gente, a la admiración por ella; yo deseaba contarles a los demás algo sobre ese pueblo." - Flaherty

Autoretrato

PROPUESTA I

Me gustaría hacer de una realidad mezclada con metáforas. Contrastar el movimiento diario de la ciudad y el contexto en el que vivo con fotografías fijas. Una voz en off que vaya relatando pensamientos desordenados que vaya teniendo a través del día. Al final el todo como obra debe de contener estos aspectos revelando una verdad de mi persona y mi contexto el día de hoy.

Johan Grimonprez

Dial History, 1998
68 min.

Grimonprez artista visual, crea un documental ensayo a partir de la apropiación de material televisivo noticieros, películas y animación. Habla sobre los secuestros de aviones desde la década de los setentas  y los diferentes conflictos que derivan en el secuestro. También la forma en que los medios abordan el tema dependiendo del país y su contexto. El documental pretende ser algo mas que informativo, mostrando al observador una crítica de los medios de comunicación a partir de su propio material. una voz en off narra y lleva al espectador a redefinir las imágenes que se nos presentan una y otra vez. El documental no me impresiono, es un bombardeo de imágenes y de discurso. Creo que es valido y tiene su merito , es mas hasta entretiene. Pero se siente igual de impactante que cosas que vemos a diario. Igual la construcción de la misma no me saca y me obliga q redefinir, solamente me informa. Creo en un mayor aprovechamiento de la imagen audiovisual que no se logra por completo en Dial History.

Chris Marker

Sans Soleil
(Sun Less, 1983)
100 min.

Sun Less es un viaje relatado a partir de dos medios. Las imágenes que el viajante captura durante su travesía y las cartas que escribe durante el viaje. El documental es una gran obra de Marker, me impresiono aun mas que La Jeteé. Es difícil empezar a desintegrar la cantidad de elementos que existen en la obra. Hay una severa crítica a la era posmoderna y de la imagen, de como hoy en día todo es controlado por esas imágenes que ya se volvieron parte de nuestro consiente y las tomamos como nuestra verdad. Es la mentira del siglo XXI, siempre habían existido formas de control sobre los civiles, pero creo que la mas cínica es esta, en donde no sabemos que estamos viviendo y creemos que somos libres. La verdad es que el ser humano no sabe desear. En fin, el documental aborda esta crítica, inmersa en al cultura de la imagen y nos ofrece a Tokio como el reino de la imagen. Me llama la atención que elija una cultura oriental, tan distinta a la occidental y que a su vez el mensaje sea el mismo y tan claro, tan universal. Estoy de acuerdo en que la obra no es fácil, jamas se sentara alguien y lo disfrutara, hay muchas capaz de análisis y hay juegos en todos los sentidos, pero creo que también ahí recide su finalidad. No podemos creer todo lo que nos dicen, y tenemos que ejercer una critica dentro de lo que creemos como cierto o no, de lo que nos gusta o no. Así que Marker la pone complicado para que tu mismo observes y leas y analices lo que se expone.

Johan Van der Keuken

Blind Kind, 1964

Este documental de 25 minutos nos expone la vida de un grupo de niños ciegos. En cuanto se tocan temas de esta índole siempre es difícil, el no pasar una linea de respeto, pero si abarcar la profundidad y complejidad del problema. Normalmente, los documentales que tratan estos temas, toman la ruta fácil y de denigración hacia el sujeto que se esta filmando. Van der Keuken tiene esto en mente, y se impone como igual y bajo una linea de respeto, nos hace entender el mundo de los niños por medio de sus experiencias diarias y de rutina. La escuela, los juegos, los paseos, el ejercicio, y sobre todo en pequeñas cosas que diferencian su experiencia en el mundo de la gente que si puede ver. Como el énfasis en el sonido. El principio de la obra me pareció increíble, voz en off de niños ciegos hablando sobre ellos mismos, mientras vamos de negros a imágenes cotidianas que contrastan las dos distintas experiencias. El poder del documental trasciende su temática, por la forma en que esta construido y por su acercamiento respetuoso a los sujetos. Es conmovedor en el punto de la delicada linea que existe de la cual nos dejan ser pacientes observadores por un momento. 

 

Bert Haanstra

Glass
1958
10 min.

Glass parece ser un documental sobre el oficio de la creación de piezas de vidrio. Nos desplaza entre tomas del fuego derritiendo el vidrio, este mismo siendo manipulado por un tubo y el movimiento que le da el hombre. Al poco tiempo te introduce a un juego a distintos niveles de interpretación sobre el mismo oficio hasta concretar con la literalidad del conjunto de audio e imagen.  Desde las tomas de las maquinas como símil del hombre modificando el vidrio y después marcando al diferencia entre ellos. Haanstra nos va llevando a un juego entre la música y el trabajador como músico. Me pareció grandioso la forma en que nos lleva la obra hasta presentarnos esta comparación. El manejo serio y literal del oficio llevado a varios niveles por medio del audio y de la velocidad de presentar imágenes. Hasta volverse cómico a veces.